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浅谈中国画

时间: 2019-02-24 来源:【收藏古玩网】

唐代以来,绘画十三科,山水画高居最上,后来随着发展花鸟画也紧随其后,山水和花鸟的崛起,体现了中国人的审美取向,这与中国人对气化哲学的思想有关,因为山水和花鸟可以体现气化哲学的精髓。

《仿宋元册页》  明    蓝瑛


中国的美学一直特别重视“气”,所以在六朝时谢赫曾提出“六法论”,并以“气韵生动”为首,这是在气化哲学思想的影响下形成的重要审美标准。接着在五代时期又出现一位叫荆浩的山水画家,在他的画论中提出了“六要”(气,韵,思,景,笔,墨)说,其中“气韵”又被置于首要位置。可见中国画是多么重视“气韵”。“气”是天地中的真气,即生生不息的宇宙精神和生命情怀;“韵”则是形式中所包含的节奏感。


明李日华曾评画的时候说:“凡状物者,得其形,不若得其势,得其势不若得其韵。”可见韵为至上之法。清绘画教育家布颜图认为画画,要画出气,这气不是物质之气,而是生命感。我特别认同这个观点,因为我们作为艺术工作者本身来说,描绘出来的每一样东西都是有生命的,并不是单纯地勾勒出物体的外形。得其形而失其气韵,那这样的作品是永远也不会被称为“神品”。我们可以说,有技巧能力而缺少表现的是“能品”,有特别精神或表现却缺乏技巧的是“逸品”,而拥有技巧能力和表现能力的则是“神品”。绘画中的“神品”是要求每一幅画都要包含新的观念、新的视觉。你必须在每件新作品中创造自己的结构、笔法、皴法和颜色,并且牢牢把握所描绘对象的气韵,你得在以上这些范围内尝试去获得成功。

很多人可能对艺术家存在着一些误解,认为艺术家所做的事情都很简单,随手就可以画出作品来,并不能体会这个过程的艰难,其实长久以来艺术家的生活一直都处于痛并快乐着的状态。只有你真真地参与其中,你才会有切身的体会。艺术创作不是和相机拍照一样把生活中的某一角一丝不差的再现,而是经过艺术家对生活的阅历与观察,有所取舍的去表现出来,里面蕴含着不单单是再现一个场景那样简单,里面有艺术家的情感寄托和情感表达,就是在“师自然”的基础之上寄于更高的表达。而“师造化,师自然”则是中国画画中特别重视的部分,所以任何时候我们都应该注重对自然的重视程度,师自然,从自然中提炼美,并表现美,由此来实现我们在艺术创作上的进步与革新。

“美”的本身

我们在生活中会发现有些东西非常漂亮而吸引人,但是那只能算是较低等的美,这种美容易使人察觉到,但它还是美。含蓄、细微、朴拙的美,需要更多的训练才能发现。美之所以多变,关键在于观察者而非美本身,美一直在那儿,发现它则是观察者的责任。所以,美有许多不同的面貌,而我们对美的感觉也有不同的层次,这两者互相交织,所以才有容易察觉的美和逐渐体味才能发现的美。在我们的传统文化里其实对美并没有明确的评判标准,美其实更多是一种感受性的东西,一种引起共鸣的东西,语言是很难表达出来的。它是通过你对生活的体验,对身边事物的热爱和观察发现出来的,如果没有这个体验过程,你自己想象出来的东西打动不了人,看到的人也不会和你产生共鸣,因为那样东西不是真实存在的,只是你自己想出来的。我们脑子里想象出来的东西也是要经过对现实生活看到的东西进行加工处理,而得到自己的东西,这个体验的过程很是重要,有了此过程我们才能在每次作画的时候把自己看到的景物的第一印象清晰的表现出来。

 作为艺术者本身应该做的事情

画画是一辈子的事情,“读万卷书,行万里路”中国人从始至终一直都秉持着一种活到老,学到老的精神。人的一生很短暂,如果能在这短暂的一生之中找到自己喜欢做的事情并愿意不顾一切的去坚持,我觉得这是一种幸福。虽然作为艺术创造者的一生充满坎坷,可能遭遇不被赏识,没有人认同。但是他们一生都在追求自己喜欢的事情,我觉得光是这一点就是可敬可配的。学习的道路上总是觉得自己永远都是初学者,觉得自己学到的知识总是不够用。所以我们需要更多的时间去充实自己,汲取营养让自己成长。看到前辈们的努力和坚持,自己有时会羞愧。在今天还有多少人是为了自己心中的梦想而坚持呢?

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